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Show de danse : Comment rentrer dans un rôle qui n’est pas le sien ?

Show de danse : Comment rentrer dans un rôle qui n’est pas le sien ?

 

Voici une question que l’on est susceptible de se poser lorsque l’on prépare une représentation. Par définition, un show est une danse chorégraphiée. Les artistes ont des tenues de spectacle et dévoilent au grand jour le résultat d’innombrables heures d’entraînement. Ça dure approximativement 3 minutes, et c’est LE moment où il faut tout donner. 

En ce sens, show et social dancing n’ont strictement rien à voir. Un show est une histoire, une représentation dans laquelle les danseurs rentrent dans un rôle. Toute une palette d’émotions peut être véhiculée : la tristesse, la colère, la joie, l’amour, le désir… Imaginons qu'une chorégraphie appelle à jouer le rôle de la femme fatale ou le rôle de l’homme écorché. 

Comment rentrer dans ces rôles alors qu'ils sont à des années lumières de notre personnalité ?
Une question captivante qui mérite toute notre attention.

 



1. Première étape : Ressentir


De toute évidence, pour rentrer dans la peau d’un personnage, il semble judicieux de s’imprégner de l’énergie de la musique. On peut difficilement jouer le rôle de quelqu’un de triste si l’on n’a pas la moindre idée des raisons de cet état. S’agit-il d’un chagrin d’amour ? De la perte d’un être cher ? Que dit le chanteur ? Avec quelle puissance ? Une fois l’histoire intégrée, on peut d’ores et déjà se mettre à la place de l’artiste, comprendre sa douleur, l’intégrer et l'exprimer.

 



2. Seconde étape : jouer son rôle sans demi-mesure


Il peut arriver que le rôle en question n’ait strictement rien à voir avec notre tempérament. Dans ce cas-là, sortir de sa zone de confort semble être un beau défi ! C’est l’occasion idéale d’explorer des facettes peu développées.

Tout le monde peut y arriver : certaines personnes ont des facilités et vont rentrer dans un rôle sans la moindre difficulté. D'autres vont devoir faire plus d'effort. Le but n'est pas de savoir combien de temps l'artiste a dû mettre pour accéder à son niveau de maîtrise, mais bel et bien le résultat. Le public ne retient que les 3 minutes sur scène. Comme dirait Jacques Brel : « Le talent est un travail qui ne se voit pas » (comprenez qu'il n'y pas de talent sans travail). On peut tout faire quand on en a envie, le talent c’est d’avoir envie ! Plutôt rassurant, non ?!

Sur scène, le danseur révèle soit ce qu’il a envie d’être, soit ce qu’il est déjà. Autrement dit, soit le danseur incarne naturellement le rôle qu’on lui confère, soit il s’abandonne pour ressembler de près au personnage qu’il rêve d’être.

 


Avec un bon entraînement et une bonne dose de lâcher-prise, une femme ou un homme de nature introvertie peut littéralement se transformer une fois sur la piste.


Un show réussi s’apparente à une aspirine : le public ne pense plus à ses tracas car il est comme hypnotisé par ce qu’il voit. Les acteurs/danseurs incarnent des personnages, racontent une histoire par le biais d'une chorégraphie, le tout porté par une musique. L'ensemble de ces éléments crée un univers qui est une invitation à l'évasion. On demande aux artistes d’amplifier l’interprétation pour plonger les spectateurs dans leur histoire et les ancrer dans l'instant présent. 


Rentrer dans un rôle qui n’est pas nécessairement le sien peut s’avérer incommodant. Maintenant, mettons-nous à la place des acteurs qui incarnent des tueurs en série dans les sagas criminelles ! Sont-ils vraiment ce qu’ils jouent ? Non, évidemment. Ils s’abandonnent et interprètent un personnage qui, de prime abord, ne fait pas partie d’eux. Ils vont puiser dans leur ressource pour ne faire qu’un avec le rôle qu’ils endossent. De toute évidence, on ne peut pas créer une émotion à partir de rien. Il faut qu’il y ait un contexte dans lequel on s’est mentalement plongé.

 

Et vous, quel personnage rêveriez-vous d'interpréter ?!